Veladas de Arte <> Psicoanálisis

Centro Cultural Gral San Martín 1991

ACERCA DEL GOCE ESTETICO

Olga M. de Santesteban

En esta oportunidad se presentará el tema Acerca del goce estético como un intento de cercar el fenómeno estético y la experiencia de lo bello, ubicado en  esa irradiación deslumbrante que evoca el esplendor de lo verdadero como cobertura y como organización alrededor de un vacío esencial, ese vacío  que Jacques Lacan recupera para rendir homenaje al concepto mayor del descubrimiento freudiano… das Ding… ese vacío , ese universo de la falta que guarda la cifra secreta de un goce…en el ser…, ese ser que vive en el sujeto, que determina su erótica, las ficciones del deseo, que nutre la fórmula del fantasma y que da el acento a ese carácter profundamente conflictivo de la acción humana… das Ding, la cosa freudiana, la causa, en el centro de toda creación que abre el camino a lo que será esa realidad que esta hecha de azares y encuentros…

En relación al tema especifico que hoy nos reúne, podemos dirigirnos a retomar, sin duda, un tema central que orienta nuestras búsquedas, en tanto el enigma de la creación se encuentra siempre abierto a la búsqueda de las razones de un estilo, a la fascinación que una obra ejerce sobre un siglo, a las opacidades y misterios de la creación artística.
La obra nos atrapa, nos cerca, nos encierra, nos impacta tal rasgo de genialidad y se intenta explicar ese misterio que toda creación nos propone.
Así el cuadro, habitado por una mirada atrae e invita a una experiencia singular. Es invitación a la mirada, a esa zona de enigma que para cada uno constituye su propia mirada.
La mirada hace al cuadro… pero hay siempre una hiancia entre lo que el artista piensa producir y la obra.
Lo que el artista piensa producir, el fenómeno estético, Jacques Lacan lo va a identificar con la experiencia de lo bello, ubicando en lo bello, esa irradiación deslumbrante, que evoca el esplendor de lo verdadero y dice que porque lo verdadero no es demasiado bonito de ver que lo bello es, si no su esplendor, al menos su cobertura.
Diferentes momentos de la obra de Jacques Lacan nos permiten acercarnos a la pregunta por el goce estético. En esta oportunidad voy a retomar el planteo que abordó en el seminario La ética del psicoanálisis, al situar el problema de la creación y la sublimación.
En relación a la creación coloca en el seno mismo de la producción, la estructura de oposición del significante cuya emergencia modifica profundamente el mundo humano.
Remitiéndose a la función artística más primitiva, la del alfarero, toma el ejemplo más simple: el vaso como elemento primordial de la industria humana para establecer una distinción, el vaso es un utensilio, pero tiene una función significante.
Función significante implica que un vaso se define por lo vacío y lo pleno, elementos que son introducidos por el vaso. Así a partir de este significante modelado que es el vaso, lo vacío y lo pleno entran como tales en el mundo…
El alfarero crea el vaso alrededor de ese vacío con su mano, lo crea igual que el creador mítico, ex-nihilo, a partir del agujero.
Ese modelamiento del significante hace introducción en lo real de una hiancia, de un agujero.
Así Lacan va entramando la noción de vacío, centro de  lo real, la cosa, el agujero.
Retornando un pasaje de la Biblia, dice, que cuando el Señor hizo su creación de los famosos seis días, al final contempló todo y vio que estaba bien-­se puede decir lo mismo del alfarero después que ha hecho el vaso – lo contempla y dice: está bien, es bueno, se sostiene. En otros términos del lado de la obra está siempre lo bello.
…la noción de vacío, central en toda forma de creación, lo lleva a Lacan a definir la pintura, como aquello que se caracteriza por cierto modo de organización  de líneas, formas y perspectivas alrededor de un  vacío.
Ese vacío será decisivo porque es de él que surgen las formas de goce.
Para plantear el problema del goce estético, Lacan se dirigió a interrogar el fenómeno creador definiendo en el campo escópico, la función de la mirada, de la perspectiva, del objeto anamórfico y la función de lo bello.
En la perspectiva analítica, la función de lo bello posee una función singular en relación al deseo, en la medida en que él mismo esta relacionado con una estructura de señuelo.
El fenómeno estético ubicado como la posibilidad de una cobertura de lo interdicto, del deseo mas esencial que funda al sujeto, se presenta para el artista, como el efecto de una íntima conexión con su ser.
El arte es un modo de articulación de ese vacío… vacío esencialmente velado, cuyo cubrimiento hace de barrera y nos obliga a contornearlo en la búsqueda de placer.
Ese vacío es enigmático porque contiene la cifra y la causa de la pasión mas fundamental, enigmático porque su centro esta excluído para el sujeto… enigmático porque contiene el desgarro que introduce ahi- tal como Jacques Lacan lo recupera de Freud- la división, la imbricación del sujeto.
Cada época se caracteriza por restaurar el verdadero sentido de la búsqueda artística dando nuevos hallazgos  en ese errar contorneando lo real del goce, en ese errar contorneando el vacío, en las diferentes sublimaciones que se van produciendo…
…es por esto que la relación del artista con la época en que se manifiesta es siempre contradictoria.
Lacan nos mostraba que el arte intenta operar nuevamente su milagro siempre a contracorriente, contra las normas reinantes, normas políticas por ejemplo, esquemas de pensamiento inclusive.
…Y cuando se produce… nos solicita, nos intimida, nos conmueve en esa emergencia del erotismo y del amor.
Pasaremos a sumergirnos en las obras que hoy nos ofrecen un grupo de jóvenes artistas, con quien hemos preparado este espacio.
Encuentros  verdaderos, de entrecruzamientos increíbles en el enigma del goce estético, que al compartir el interés por el psicoanálisis, la lingüística, la física cuántica… abrían surcos que nos permitían contornear las elaboraciones  de Jacques Lacan sobre el estatuto del sujeto… así fuimos de la incertidumbre a la indeterminación… de la probabilidad al azar… del tiempo y su localización… a la predicción… del acto de medida a la invención… conceptos que utilizan en el campo del Arte y que resonaban frente al enigma del mundo pulsional como Freud lo descubrió en los sueños: lo intangible, lo inquietante, lo sutil, lo incompleto, lo inconsistente, lo indemostrable… todo esto que esta más allá de la contingencia primera de las cosas, pero que nutre la causa del deseo y nos conduce al enigma de la creación artística… punto en  el cual… le cedemos el espacio al campo del ARTE para sumergirnos en la obra y escuchar el testimonio de las creadoras.

Dado que el psicoanalista no tiene nada que decir en cuanto al punto de la creación de lo bello, se ha invitado a un grupo de artistas para que junto a la exposición de su obra nos hablen de los ejes de la producción artística, de los enigmas de la creación y de la actividad del artista.
Las artistas proponen introducirnos en una experiencia visual a través de proyecciones para cotejar luego con sus obras expuestas, ver la distancia que media entre la reproducción y el original y ofrecer la serie en la que esta exposición se inscribe dado que entienden que es importante la relación entre una obra y otra.

Les presento a Maraní González del Solar, Profesora y Crítica de Arte, quien les va a plantear el esquema de trabajo y a presentar a las artistas y su obra.

LOS EJES DE LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

MARANI GONZALEZ DEL SOLARVamos a enfrentamos primero con la obra de tres artistas contemporáneas argentinas: Blanca Carusillo (Pintora), Silvia Woung (Escultora) y Viviana Zargón (Pintora) y después de la obra vamos a ir a rescatar, con las artistas, desde dónde producen, cómo producen y para quienes producen. No cabe duda que el sujeto del arte, es la obra de arte pero la obra tiene un sinfín de relaciones que la hacen posible. La obra es para alguien, el espectador y es la producción de alguien, el artista.
O sea que estos tres términos, artista, obra y espectador producen el hecho estético.
En este momento están los tres términos presentes: las artistas, las obras y los espectadores.
Voy a hacer una pequeña reflexión.
Voy a partir de una frase de Marcel Duchamps que dice: el arte es la distancia que hay entre la intención y la realización.
Esta idea también la toma Umberto Eco en «Obra abierta» porque evidentemente, cuando el artista produce, pone intenciones concientes, pero hay algo que va más allá, que lo sobrepasa, hay algo a pesar de él que queda en la obra.
Tal vez esta apertura de la obra es lo que hace que el arte sea siempre contemporáneo, que podamos acceder a la obra del pasado, desde el presente y que la obra del siglo XV, XVI, nos siga diciendo y actuando sobre nosotros. Pero creo, además, que hay algo importante que señalar con respecto a la producción contemporánea, el artista actual se ubica o trabaja desde un lugar diferente al artista de siglos pasados.
La obra antiguamente requería una terminación. La obra tenía que ser concluida, terminada, se imponía la idea de un objeto acabado y no tenía que dejar vestigios de su proceso de realización.
Actualmente el artista trabaja desde otra postura, la idea es evidenciar el proceso, la idea es manejar la ambigüedad.
La obra contemporánea pregunta más que dice, esta postura del artista, esta idea de evidenciar el proceso, de dejar aperturas de interpretación exige un espectador diferente, un espectador que le pregunte a la obra, un espectador activo frente a la obra.
Creo que esta es la idea que queríamos plantear. O sea que necesitamos también la actividad de Uds.
Lo primero que vamos a hacer es manejarlos con la imagen, acá están expuestas algunas obras, pero vamos a empezar con la proyección, o sea la imagen de la imagen y a partir de esta imagen vamos a ir a la producción, a los responsables de esta producción que son los artistas y ellos y Uds. van a tratar de develar el misterio que hay en estas obras.
(Proyección) .
A continuación se ofrece una citación de la desgrabación. La propuesta de las artistas y los interrogantes que se formularon.

EL TIEMPO DE LA PRODUCCION
SILVIA WOUNG

EscultoraNo tengo una idea prefijada ni de lo que digo ni de lo que hago, las formas que van surgiendo nacen de una necesidad interior que no creo que sea necesario ponerle palabras.
Lo sorprendente es el encuentro con el espectador que mira mi obra, la puede rechazar, pero no queda indiferente.
Son obras que parecen muy fuertes, creo que todos tenemos algo interior muy potente y que cada uno lo puede expresar de una manera diferente.

SE CREA A PARTIR DE DESHECHOS

Hay una diferencia entre los materiales con los que trabajo y el mundo en el que vivo, donde la informática, indagar el espacio, la computación, no corresponden a mi realidad, no me encuentro con la cosa perfecta, industrializada; lo que encuentro son deshechos, desgarramiento interno, muy diñcil de sobrellevar y esta obra es el resultado de eso.
Esto es como un espejo, cuando nosotros nos miramos, de repente, no es la imagen que creemos que tenemos de nosotros mismos.
Las esculturas tratan este tema del espejo.
La elección del material es una forma de decir.
Para producir hay un problema de la inmediatez de las cosas, la idea de que nada va a perdurar, que nosotros mismos no perduramos en el tiempo. El trabajo es un modo de trascender como artista, es un problema que nos atañe, es como un peso saber que somos tan efímeros como todo lo que nos está rodeando en este momento.
Leí un trabajo sobre los autores que ya no se leen y me pareció interesante porque de repente hablamos de un montón de cosas que no conocemos y gente que ha sido importante en nuestra vida interior y de la que nos ha quedado una marca, ya no está en lo cotidiano, entonces, ¿es sobre esto que nos preguntamos para qué esforzamos en un trabajo que mañana ya no va a estar? …

SE CREA A PARTIR DE LO QUE NO QUEDO
VIVIANA ZARGON
Pintora

• Se puede abordar de diferente manera, en este sentido pienso que lo que no quedó está, está como marca y desde ahí estamos produciendo, desde esa cantidad de historia que nos antecede, de pensamientos que fueron evolucionando y que en este momento los tenemos como carga, y en ese sentido la carga tiene que ver con las diferentes formas de trabajo … cada uno de nosotros tomamos una o varias partes de la historia del arte, hay siempre una mirada hacia alguna de las formas de la historia del arte.
• Lo que me atrae de la pintura es que es un espacio ilusorio, es fantástico ver cómo el mismo elemento cambiándole el color cambia absolutamente de contenido… es la posibilidad de expresar las instancias de esa situación cambiante que tenemos.
A mí me pasa con mis obras en general, cuando las pongo en el mundo necesitan un nombre y ese nombre lo tienen a partir de que han llegado al punto final.

SE CREA A PARTIR DEL VACIO
FESTONEANDO EL VACIO
BLANCA CARUSILLO

Pintora Para producir… las cosas comienzan cuando hay una instancia puntual, como a partir de un punto generativo, la obra tiene que ver con el vacío, no hay nada externo que yo haya mirado con mis ojos que sea tan intenso, tan oscuro, tan denso, más oscuro que el oscuro y más negro que el vacío interior.
Hay algo que uno no sabe hasta que lo va atravesando. Parto de algo puntual, es como un nudo importante para la obra que yo voy recorriendo y desgranando y que va a ir cambiando permanentemente y finalmente sí es un espacio recubierto pero va teniendo un montón de gamas.
Yo sé que este es un tema psicológico, me place enormemente ver en la obra contemporánea este tema, me llama la atención que se lo nombre como vacío porque al cabo del trabajo ese vacío, ese negro es absolutamente un espacio potencial y articulado. (La pintora hace alusión a la obra que denominó «Festoneando el vacío»).
Es desde ese vacío articulado que por atravesamientos de haces de luces que van cambiando los colores, las situaciones, las instancias, se desarrollan los temas de la vida, del amor, de la muerte, y así va cambiando ese espacio ilusorio de la pintura.
Con la técnica del uso del pigmento, agregado a la pintura se desmaterializa esta ilusión, parece mentira pero ocurre otra cosa.
Entonces para mí ir cambiando los materiales, lo mismo que ocurre con la escultura o el grabado, al retrabajar los temas van siendo desmaterializados, por ejemplo en mis esculturas, algunas son enormes piedras que tienen huecos, están recubiertas de pigmentos, ahí desmaterializo absolutamente la piedra grande.
En la pintura al ir atravesando con los cambios de color, cambia el espacio ilusorio, eso me fascina y me aterra al mismo tiempo, no me sonríe todo el tiempo, muchas veces lloro, tengo taquicardia, esto pasa por estados corporales.
En la escultura se puede desmaterializar la materia, en el dibujo el vacío es diferente, no hay nada que se pueda corregir, no hay nada que sea ilusorio y al mismo tiempo está todo lo absolutamente falso.

LA DISTANCIA ENTRE EL ARTISTA y LA OBRA

… En la obra hay una claridad de lo no dicho, no esta fijo esto de decir «he dicho».
Mantengo la distancia entre mi producción creativa y yo… la obra no tiene nada que ver conmigo, es un producto mío, pero es bastante diferente de mí .
… no me la paso riendo cuando pinto, pero a veces ocurre, lloro, me desespero … pero sin embargo todo este proceso ha dejado maravillosamente bien la obra, al cuidado de que no aparezca ni un milímetro de inspiración divina y de transpiración cotidiana.
Esto es lo que más me encanta que le sucede a la obra, por eso no es igual a mí, la transpiración queda conmigo, a la obra no pasa nada de esto.

YO NO BUSCO, ENCUENTRO

• La obra es muy distinta a nosotros. Se conoce la obra y pueden pasar años hasta que se une a la imagen o no.
Hay una distancia por otro lado entre la intención y la realización.
A veces queremos decir algo y la realizamos de otra manera, a veces el proceso mismo del trabajo nos lleva a otro lugar… uno no maneja lo que quiere decir. Puede llegar a manejar ideas generadoras del trabajo o puntos de partida, pero no llegadas.
Vaya decir algo que suena muy poético que decía Picasso:
«Yo no busco, encuentro», pesa todo el tiempo eso, no llegamos a hacer lo que queremos, hay un grado de insatisfacción y por eso siempre hay una obra detrás de la otra.

Hay siempre un grado de insatisfacción … por eso estamos vivos.
• Más que la no llegada … es una fragmentación de lo que queremos decir, no sé si en las obras se siente que uno no llegó pero lo que sí pasa es que hay otros aspectos a mostrar o que se puede expresar de manera diferente.
Es importante ver el recorrido completo de un artista … vemos una historia.
• Cuando se va haciendo ese pasaje de una obra a otra hay corte, puede haber violencia del pasaje, en ciertos artistas el registro que se tiene es de un corte, algo que no se sabe… algo se fragmenta.

¿HAY PLACER EN LA REALIZACIÓN DE LA OBRA?

• Se interroga a las autoras, ¿es una tarea, una necesidad o un placer realizar la obra?
• Esto es lo que uno asume como lenguaje.
• Hay momentos de sufrimiento… palpitaciones y toda esa cosa terrible de lo oscuro, es dramático, esa oscuridad de los ojos, parece mentira pero los pintores decimos «no veo» estamos pintando y decimos «no veo», es terrible, pero también es un tiempo donde se suspende todo, ahí está el goce … yo me acuerdo de una frase, cuando era chica decía: yo no elegí ser artista, vino conmigo, es mi propio ser vivo … a pesar que lo digo con palabras.

EL ARTISTA…
EXPUESTO A LA CONTEMPORANEIDAD

Se comparan las obras expuestas y se señala que en dos artistas aparece la imagen como suma de fragmentos y se las interroga acerca de si es inevitable estar expuesto a la contemporaneidad que se cuela en el artista o si el artista es su época, a pesar de que no lo elija porque está en ella.
Las respuestas apuntan a señalar que se es contemporáneo a pesar del artista y que dentro de esto hay diferentes corrientes… , hay elecciones que uno no hace, somos artistas y no arquitectos por ejemplo … es una necesidad anterior a la conciencia.
Si bien hay coincidencias en artistas que están situados en lugares muy diferentes, hay también marcas que lo definen.
El goce estético es universal pero no lo que el artista quiere decir.

EL CONCEPTO DE TRABAJO SE EXTIENDE

• El trabajo del artista lo toma en su propio taller, en la puesta en escena en la galería, el trabajo se termina en el contexto, en el espacio de la galería, esto incide en la obra… pero hay un instante donde la obra vive más allá de eso, esa obra puede estar en otro espacio y puede vivir de otra manera, es como la libertad que adquiere la imagen cuando se desprende.

EL CUADRO… ES UN DISCURSO

• El cuadro en tanto discurso permite una lectura metafórica y metonímica… el comenzar a mirarlo puede ser un obstáculo para su lectura.
El gran esfuerzo del siglo XX fue hacer del lenguaje pictórico un lenguaje autónomo, los artistas al principio del siglo, los grandes vanguardistas, los cubistas, los fauvistas tenían como modelo la música, que era independiente del anclaje de las palabras.
El artista actual buscó liberarse del tema, el tema pasó a ser la misma pintura, su proceso de trabajo.
El artista deja de lado el tema y enfrenta al espectador justamente con 10 que hay detrás del tema … la forma está escondida detrás de la vehemencia del material, ofrece la ambigüedad … y allí encuentra su mejor elemento expresivo, u ofrece un recurso por ejemplo trabajar con pluma para ofrecer la suma de huellas …

EL CUADRO Y SU NOMBRE

• Diferentes modos de articular el nombre fueron mostrando de que modo en el arte contemporáneo, el título ocupa su lugar, por ejemplo, un proceso creativo podía llevar como título: «sin título» mostrando que no es que esté ausente el título, sino que su título es, «sin titulo». O el uso de la ironía en el nombre.
Una obra expuesta llevaba por título: «pienso, luego existo», otra obra que consistía en una escultura muy pesada llevaba de título: «volare, volare», justamente para marcar que era imposible que volara.
• Un titulo metafísico como: «no se le puede ver la espalda a Dios» se plantea como un título posible para comenzar una obra… puede surgir al revés que se haga la obra y al terminar se coloque el título o puede pasar que se proponga un título y el trabajo que se va realizando se vaya separando del título propuesto.
Se relata que en la Jornada pasada se había trabajado sobre la pulsión escópica y la frase de Lacan: «Tú no me ves desde donde yo te miro», fue tomada para organizar una exposición, a partir de la lectura de lo trabajado en la Escuela. Se colocaron las obras de espalda al público, este montaje tenía como objetivo poner de relieve que hay una falta de mirada, con esto se trata de forzar la mirada del espectador. (Las artistas señalan que quizás no lo interpretan del mismo modo que los psicoanalistas, la frase fue atractiva hasta convertirse en el nombre de un trabajo que produjo una exposición creativa).

EL ARTISTA ENGAÑA AL OJO

• Interrogadas acerca de si el artista engaña al ojo y entrega su ser, las respuestas intentaron decir que el artista está ya engañado, está fascinado por el espacio ilusorio que la pintura le ofrece, esto se le convierte en algo tan real que queda tomado por el mismo proceso que se produce en el espacio y por su atravesamiento, queda captado por los cambios que ese espacio le ofrece, por ejemplo el color, se empieza por un azul y a medida que va transcurriendo el trabajo ya aparece el rojo … eso es vivido como real, esa es la tragedia de la creación … la cosa es que uno va ahí a eso que se le presenta tal como es y esto que aparece, no era así, podía haber sido de otra manera, es un modo de tratar de aproximarse a lo verdadero y se escurre permanentemente.

La respuesta del público mostró el entrecruzamiento de significantes, se señaló la fascinación que provocaban las obras y la escucha de las artistas intentando además de ofrecer sus obras, prestarse a la interrogación del público para atrapar los ejes de la creación artística; fueron así desplegando una rica trama de posibilidades para situar los conceptos y los modos de acercarse a la idea de trabajo y producción.
Esta dimensión que fue nombrada corno subyugante y seductora o profundamente atrapante, permitió un clima de trabajo que agradezco muy especialmente y reconozco como esfuerzo de participación y transmisión de un modo de trabajo de un grupo de jóvenes artistas que intentan un proceso de formación en las disciplinas que su época les ofrece, la física cuántica, la semiótica, la lingüística, el psicoanálisis, son sólo algunas de las trazas que fueron surgiendo de los encuentros producidos que deseo tengan una continuidad.
Muchas gracias a Maraní González del Solar (Profesora de Historia del Arte y Critica de Arte), a Silvia Woung (Escultora), a Blanca Carusillo (Pintora) y a Viviana Zargón (Pintora) por compartir este espacio con un grupo de psicoanalistas de nuestro país y del exterior que pudieron, a través de Uds., asistir a un fragmento de lo que se produce en Buenos Aires e interrogar y cercar la cuestión del goce estético, ya que desde el psicoanálisis, el psicoanalista no tiene nada que decir en cuanto a la creación de lo bello, por esto este modo de contornear o como hoy se planteó de «Festonear el vacío», sea tan atractivo y seductor y del cual sólo sabemos que se renueva siempre en un intento por atrapar el enigma que la naturaleza de lo bello presenta manteniéndose insensible al ultraje.
Muchas gracias.

Presentación y puntuación de la desgrabación realizada por Olga. M. de Santesteban.